Dentro de Up destaca el tema principal, Married Life, por su tremenda sencillez y belleza; se trata de una melodía descriptiva que acompaña, como anillo al dedo, a una secuencia sin palabras que resume toda la vida del protagonista y cuya naturalidad conmueve más que muchas escenas con actores reales. Es un gran ejemplo de cómo la música es a veces más importante que la imagen.

Dicho esto, hay un parecido razonable que no puedo evitar mencionar respecto a esta pieza, y es que guarda una semejanza bastante grande con un tema también conocido de la banda sonora de Lucía y el Sexo (2001) de Alberto Iglesias, el compositor español más internacional. Alberto Iglesias ha sido nominado dos veces a los Oscar por El jardinero fiel y Cometas en el cielo, y ha ganado innumerables premios Goya a lo largo de su carrera, entre los que se encuentra el que ganó por la película Lucía y el Sexo, de Julio Medem, y donde se puede encontrar la fantástica pieza Me Voy a Morir de Tanto Amor (que aparece también en un episodio de la serie de culto Mad Men). Este tema guarda un parecido más que razonable con el Married Life de Up, tanto que al ver el episodio de Mad Men pensé que se trataba de la misma pieza.

Comparación de los dos temas

		Me voy a morir de tanto amor Me voy a morir de tanto amor
		Married life Married life

El hecho de que se parezcan no implica que haya habido plagio de ningún tipo, pero ¿es casual el parecido o está más allá de la mera coincidencia? No hablamos de un tema moderno homenajeando a uno clásico, sino de dos obras actuales separadas por solamente 8 años. Esta vez quiero saber si es mi impresión o soy demasiado exagerado. No olvidemos que las bandas sonoras son la música clásica de este siglo… quizá en el futuro este tipo de influencias queden mencionadas en los libros de Historia. Vosotros tenéis la última palabra.

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La película es un buen trabajo de adaptación del director Zack Snyder, detallista y respetuoso con la obra original. Las casi tres horas de duración no se hacen largas y buena parte de los hitos importantes del cómic aparecen, con las necesarias y comprensibles modificaciones que supone el cambio de medio narrativo. Casi todos los diálogos están tomados directamente del texto, sin apenas modificaciones, de forma que cada frase memorable tiene su aparición en algún momento. El aspecto visual está muy logrado, no tan oscuro como el cómic, pero sí con todos los detalles de ese mundo alternativo que el dibujante Dave Gibbons supo aportar a las descripciones kilométricas y la minuciosidad de Moore. Y una mención especial a los títulos de crédito, una secuencia brillante que desde el comienzo nos sumerge en el pasado de los justicieros de ese mundo alternativo mientras de fondo, Bob Dylan canta The Times They Are A-Changin’.

Pero ¿ha conseguido Snyder su objetivo? La respuesta sería: depende de qué se hubiera propuesto.

Me explico: no es casualidad que la obra de Alan Moore haya pasado por las manos de tantos directores candidatos y tantos otros guionistas para intentar dar con una puesta en escena que pudiera transmitir aunque sólo fuera una pequeña parte de todo lo que el mini-universo de Watchmen contiene. En éste, Alan Moore y Dave Gibbons reinventaron el lenguaje convencional de los cómics añadiendo varias capas de meta-lenguaje, como autorreferencias y metáforas visuales, yuxtaposición de hilos argumentales en la misma viñeta, paralelismo narrativo, juegos de simetría… hasta tal punto que la historia, aunque buena, era sólo un soporte sobre el que desplegar todo este arsenal de recursos que – y esto es lo principal – tenían sentido únicamente en el mismo medio en que fueron creados. Al plantear una conversión del lenguaje escrito y dibujado al lenguaje cinematográfico, todos estos factores se “perderían en la traducción” y serían sustituídos por recursos del lenguaje visual, ya conocidos y nada innovadores.

Traduttore, traditore

Puede que Zack Snyder quisiera reproducir con la mayor fidelidad posible el universo de Watchmen, pues todo indica que decidió intentar el mismo enfoque que ya usó en 300: la transcripción literal del mundo impreso al mundo cinemático. Si es así, tengo que decir que lo ha conseguido. Las escenas han sido rodadas siguiendo exactamente los encuadres y ángulos de las viñetas en las que se basan, utilizando el propio cómic como storyboard y garantizando el aspecto visual más cercano posible al de la novela gráfica. La experiencia de ver cobrar vida a los personajes que uno conoce tan bien, de oir sus nuevas voces recitando su parte del guión y ver en acción los momentos memorables del cómic es muy gratificante, al menos para quien lo conozca. En ese sentido la película se disfruta y no decepciona.

Sally Jupiter pin-up, el negocio del 'glamour' en el mundo Watchmen

Ahora bien, en el caso de que Snyder quisiera crear su propia visión del mito y hacer una película que fuera para el resto de películas de superhéroes lo que Watchmen fue para el resto de cómics… se ha quedado muy corto. Su fidelidad a la estructura del original es  también su mayor lastre y encorseta la narración. Por ejemplo, en su afán por emular al cómic, Snyder decide ofrecer al espectador la información sobre el pasado de los personajes mediante flashbacks que se producen en los mismos momentos que en la novela gráfica. Esto plantea dos problemas: el primero, que la historia tiene demasiados flashbacks y abusar de esta técnica en momentos inesperados no siempre funciona en el cine, donde el ritmo lo es todo. El segundo, que no todos los flashbacks aportan información que haga avanzar la trama, sino que a veces sólo dan datos sobre el pasado de un personaje, lo que en cómic no supone un problema pero en el cine hay que dosificarlos pues detienen el desarrollo de la acción, y una vez más, rompen el ritmo.

¡Dame un nombre!

Quizá sea debido a la reducción del metraje original, de casi 4 horas, o quizá a que Snyder se ha perdido en los detalles (donde, como todos sabemos, está el Diablo), pero a veces se producen saltos bruscos de la narración, se echan de menos planos introductorios, o de repente se produce un hecho importante o se revela un dato crítico sin preparación previa del espectador, lo que produce cierta confusión. El ritmo sube y baja, y cuando ocurre lo que debería ser el desenlace y clímax de la historia (lo que posiblemente no es el despliegue de efectos especiales azules sino el momento en que alguien exclama “¡lo conseguí!” en el cómic), la forma de contarlo hace que el espectador no sea del todo consciente de esa sensación de “resolución” de los buenos guiones. Ojalá que en la versión extendida se solucionen estos problemas y la historia fluya con menos brusquedad.

Como conclusión, la película es buena. Quizá parezca algo confusa a quien no conozca la historia, pero tiene calidad y momentos impactantes y mantiene el interés hasta el final. La recreación del universo de Watchmen es minuciosa y tiene gran cantidad de detalles que los fans disfrutarán. Y no, no creo que los cambios en el guión sean imperdonables; como ya he explicado, ceñirse al texto no siempre es la mejor decisión. (¿El chiste de Pagliacci? ¿La contraseña del hombre más listo del mundo?).

Quizá en otro artículo me dé por enumerar las frases míticas que se pronuncian, o los pequeños detalles que se han incluído. En éste, voy a poner una autorreferencia del cómic que no he visto comentada antes en ninguna parte, uno más de tantos guiños que Watchmen tiene desperdigados.

Se trata de la máscara de Rorschach, que está formada por “un fluído viscoso entre dos capas de látex sensible al calor y la presión” y que siempre muestra un dibujo cambiante que nunca se repite.

¿Nunca?

Número 1, página 24		Número 12, página 20
Una metáfora visual sobre la inamovilidad de los principios de Rorschach.

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Roque Baños es un autor ya consagrado. Aunque no he escuchado todas sus bandas sonoras, las que he oído en el cine siempre han tenido algo en común: al terminar la película he buscado su nombre con interés en los títulos de crédito, cosa que sólo hago cuando siento que la música es parte de la historia, que sin ella la película sería otra. Porque este es un compositor con estilo propio, con carácter, y a veces con influencias claras de otros compositores actuales que él adapta al tono y el ritmo de la película que trate, y que convierte en suyas. No en el sentido de copia, sino de espíritu, creando su propia interpretación.

Roque Baños

La primera vez que escuché su trabajo en el cine fue en El corazón del guerrero, película de Daniel Monzón en la que quedé gratamente sorprendido por el estilo musical que contenía. Había secuencias de aventuras clásicas, de acción, que traían a la memoria momentos clásicos, una especie de John Williams a la española, y se me quedó grabado su nombre.

Claro que entonces no sabía que Roque Baños ya llevaba un largo historial de éxitos a sus espaldas. Como se puede ver en su página web, ya desde su formación en el Berklee College of Music de Boston (por donde también pasaron figuras como Alan Silvestri y Howard Shore) recibió premios por su capacidad para la composición de música de cine. Hay un buen resumen de sus obras en dicha página.

El motivo de esta entrada en el blog fue la música de La Comunidad, de Alex de la Iglesia. Tengo un problema: soy un fan incondicional de Danny Elfman. Todas sus bandas sonoras me gustan. Tanto, que detecto parecidos a la menor ocasión (como me ocurrió con Ultraviolet) o, por ejemplo, hay momentos de Los Crímenes de Oxford que me recuerdan al tema principal de Mars Attacks. Siendo así, cómo no me iba a emocionar encontrarme, al comienzo de La Comunidad, con un tema principal con toques Elfman por doquier, unas trompas a lo Batman en una frase, unos violines a lo Eduardo Manostijeras en otra… el estilo estaba ahí, no llegaba a ser copia, y era muy bueno. Y entonces llegó la persecución y ¡zas! Ahí estaba, con el mismo piano y todo, el tema principal de Bitelchús.

Es un parecido evidente. No descubro nada nuevo, ni tampoco es mi intención. Sólo espero ayudar a que la gente a la que le guste este estilo pueda descubrir otros autores con un sonido similar. De nuevo han sido dos compositores contemporáneos, aunque espero volver a la música clásica en breve.

Se me ocurre un paralelismo más. Podría ser que, poco a poco, Roque Baños y Alex de la Iglesia se estén convirtiendo en colaboradores asiduos, con la música de uno cada vez más adecuada al tono oscuro, humorístico del otro, lo que recuerda al dúo formado por Danny Elfman y Tim Burton, de los que no podemos ya separar sus imágenes de su música. Hasta el momento han sido 6 las colaboraciones entre ambos:

Muertos de Risa (1999)
La Comunidad (2000)
800 balas (2002)
Crimen ferpecto (2004)
La habitación del hijo (2007) (para TV)
Los Crímenes de Oxford (2008)

Si Alex de la Iglesia es nuestro Tim Burton, Roque Baños sería el Danny Elfman español. Los Crímenes de Oxford es una banda sonora que demuestra hasta dónde este compositor ha conseguido un estilo personal, que en otras películas recordaba más al estilo sinfónico de John Williams. Sin duda, la trayectoria de Roque Baños va a ir a más y aún no hemos escuchado todo de lo que es capaz.

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Tenía 18 años cuando cayó en mis manos. Ediciones Zinco había comenzado a publicarlo en España con el mismo formato que en Estados Unidos, sólo que con 2 años de diferencia. Constaba de 12 números con una periodicidad mensual, de 30 páginas, de las cuales las dos o tres últimas consistían en un apéndice en blanco y negro que complementaba la historia principal con datos referentes al mismo episodio.

Hasta ese momento todo mi conocimiento del mundo de los cómics (o tebeos, o mangas; arte secuencial, en resumen) se reducía a colecciones de Mortadelo y Filemón, Superlópez, Astérix, Tintín y números sueltos de la Patrulla X y los Cuatro Fantásticos. Por recomendación de un amigo comencé a leerlo y a partir de entonces todas mis ideas previas sobre el tema cambiaron para siempre.

Dentro de una estructura tan simple como 3 x 3 viñetas rectangulares por página, se abría un universo de asociaciones visuales y verbales, donde la historia que se nos contaba coexistía con otras historias, a veces en viñetas alternas, a veces superpuestas, a veces dentro de la misma viñeta en forma de elementos visuales recurrentes. Unas veces la misma escena se revisitaba desde vidas o momentos distintos, otras veces múltiples personajes experimentaban la misma situación con distintos elementos. Juegos de palabras sin palabras. Y siempre la trama principal avanzando número a número como una fuga que en momentos avanzaba a gran velocidad, con acción y sorpresas, y en otros se recreaba en detalles minúsculos, donde podían transcurrir varias páginas sin nada más que un cambio de actitud o un momento de reflexión. El trasfondo reflejaba una sociedad en la que los enmascarados habían sido declarados ilegales (detalle que fue usado por Brad Bird en Los Increíbles) y el mundo se encontraba inmerso en un momento de pesimismo en plena guerra fría a punto de convertirse en confrontamiento nuclear. Todo ello quedaba unido en Watchmen como un mecanismo de relojería de gran precisión.

Parecía un cómic de superhéroes. No lo era; hablaba de personas normales enfrentadas a hechos extraordinarios. Pero cambió la forma en que los cómics de superhéroes serían entendidos en adelante.

Todo esto lo tuve que vivir en una espera interminable de un mes entre número y número. Ahora lo publican en un solo tomo y lo llaman “novela gráfica”, y no siempre conservan la portada y contraportada, que formaban un todo con el resto de páginas, integradas con la primera y última viñeta de cada número.

Existen infinidad de artículos sobre Watchmen que estudian en profundidad su estructura, sus textos y subtextos, sus paralelismos, su lenguaje no verbal y sus mensajes subliminales, para todos aquellos que quieren profundizar sobre el lenguaje propio del cómic como medio artístico y sobre la riqueza argumental y expresiva que puede llegar a contener. Para todo el que aún viva en el estereotipo de que el cómic es un arte menor dedicado a niños o “frikis”, le recomiendo que lea “Entender el cómic“, de Scott McCloud - el mejor ensayo sobre este arte que he leído nunca. Y también que lea a Alan Moore, claro.

Alan Moore y el cine

Durante años he visto cómo varias obras maestras de Alan Moore caían hacia la gran pantalla, no siempre con acierto, porque Moore escribe arte para el lenguaje del cómic y por eso no se puede traspasar al cine sin perder casi toda su esencia. Cayó From Hell, discretita, y V de Vendetta (su primer intento de serie regular, que siete años más tarde acabaría siendo una serie de 10 números), una película decente aunque sin la fuerza del cómic. Cayó La Liga de los Hombres Extraordinarios, ridícula adaptación que nunca hizo justicia a la frescura e inteligencia del original. En la resistencia siguen estando su etapa en La Cosa del Pantano (con la saga American Gothic, obra maestra del terror gótico) y Miracleman (demasiado introspectiva, demasiado intelectual). Quizá en breve alguien caiga en la cuenta de que Top Ten haría una buena película de acción a lo Men in Black (y Smax the Barbarian un spin-off humorístico con bastantes posibilidades), o tome ideas de Supreme o Tom Strong para revisitar el mito del superhéroe a su manera. En cuanto a Lost Girls, daría para varios artículos por sí sola y sería idónea como serie de animación… para una asignatura de educación sexual. ¿Quién se atrevería?

Y por fin le llegó el turno a Watchmen.

Desde 1988 y tras varios años de intentos fallidos, reescrituras de guión, entrada y salida de directores, finalmente fue Zack Snyder, director de 300, quien se llevó el gato al agua; la maestría que demostró en llevar la novela gráfica de Frank Miller a la pantalla tuvo bastante que ver con la decisión. Sin embargo, hay un abismo entre la estructura de 300 – lineal, apenas un flashback y una trama secundaria añadida para el cine – y la de Watchmen. El mismo director Terry Gilliam rechazó el proyecto ante el enorme presupuesto que supondría trasladar todo el contenido a una película y lo definió como un proyecto “imposible de filmar” en dos horas sin perder la esencia de la historia. Alan Moore, incombustible, declaró al ser preguntado sobre cómo lo filmaría él: “Tuve que decir, francamente, que no creía que pudiera filmarse. No lo diseñé para demostrar las similitudes entre el cine y los cómics, que están ahí, pero en mi opinión son bastante intrascendentes. Lo diseñé para resaltar las cosas que se podían hacer en un cómic, pero no en el cine ni en la literatura.”.

Watchmen, el primer trailer

Desde el punto de vista poco objetivo de un fan acérrimo – yo mismo -, el trailer no me ha decepcionado; al contrario, he encontrado el aspecto visual tremendamente acorde con el espíritu del cómic y una asombrosa obsesión por el detalle (incluyendo el buen hallazgo del travelling por el mecanismo de relojería, otro de sus temas recurrentes). Por otra parte, casi todas las escenas pertenecen a los flashbacks que en el cómic aportan información sobre el pasado de los personajes, y no a la trama que mueve la historia en el presente (situado en el año 1985), lo que preocupa un poco por no dar información sobre el ritmo real de la película. Parece más un guiño y fuegos artificiales que otra cosa. El trailer está centrado sobre todo en el único personaje sobrehumano de la historia, el azulado Doctor Manhattan, con breves apariciones del resto de personajes. Debo alabar el montaje y la elección de una canción de Smashing Pumpkins cuyo texto se hace coincidir con las imágenes elegidas en cada momento, al más puro “estilo Watchmen”. Snyder ha conseguido la atención que buscaba, ahora sólo queda esperar y cruzar los dedos.

Por cierto… “Smashing Pumpkins” es exactamente lo que ocurre en la última página del número 8… ¿un guiño más? Pues ahí va otro: el título de la versión de la canción en el trailer es “The Beginning is the End is the Beginning”… y ¿acaso no hay un personaje que termina diciendo en el último número “nada termina nunca”? ;)

Finalmente, mi alma de admirador de Watchmen me pide que haga un…

Desglose de escenas del trailer (ligeros spoilers)

El accidente de Jon Osterman. En su mano izquierda sostiene un reloj. En el momento en que se le ve de frente a través del cristal se aprecian incluso los reflejos de una mujer que niega con la cabeza (debería ser Janey Slater) y un hombre.
“La luz se me lleva en pedazos”
La nave de Búho Nocturno, Archie, emerge de la bahía de Nueva York, detalle de la boya incluído
El comediante encuentra su destino, con el imprescindible detalle de la chapa de Smiley brillando en su solapa
Un recurso que Moore usó por primera vez en V de Vendetta: la matriz de televisores. Delante, Adrian Veidt con su atuendo de reminiscencias egipcias.
“14 de noviembre: un esqueleto parcialmente cubierto de músculos (…) grita durante 30 segundos antes de desaparecer”
Rorschach en acción.
Posiblemente la escena en que Laurie baja al sótano de Dan, que en el cómic es ligeramente distinta. “El escote hasta el ombligo”, fetichismo encubierto y jugar a bomberos.
El Dr. Manhattan y las mujeres.
Escenas del magnífico número 2 de la colección, durante el entierro de Blake.
“Fui para comprender el Vietnam (…) y descubrí que pocos humanos se permiten esa comprensión. Blake es diferente. Lo entiende a la perfección… pero no le importa.”
“Insolaciones en noviembre.”
“Es muy bonita. Después de cada beso deposita uno más pequeño, más suave, sobre mis labios… como su firma.”
Rorschach visita a su “amigo” Moloch. Hurm…
Página central del clásico y simétrico número 5: Veidt se defiende, traje morado incluído.
Para Zack Snyder, esta es una de las escenas clave (algo discutible). De nuevo la guerra de Vietnam en el año 1971 alternativo.
Disturbios anti-vigilantes. Al igual que en el cómic, Búho Nocturno se sienta a la izquierda mientras el Comediante está subido a la ventana derecha.
” Todos los políticos y las prostitutas mirarán arriba y gritarán: ‘¡Sálvanos!’ Y yo miraré abajo y dire: ‘No’ “.
Jon y Laurie se van de excursión.

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Del compositor alemán Klaus Badelt se puede decir que todo el mundo conoce algo si ha escuchado a Hans Zimmer. Fue coproductor de la banda sonora de Gladiator, dos años después de que Hans Zimmer le invitase a formar parte de su estudio Media Ventures. Después de algunos éxitos, entre los que cabe destacar la partitura para el remake de La Máquina del Tiempo, en 2003 Badelt compuso – o más bien, supervisó a otros miembros del equipo que compusieron – la conocida Piratas del Caribe: La Maldición de la Perla Negra, varios de cuyos temas son una extensión de los que ya se escucharon en Gladiator, al estilo Zimmer.

En Ultraviolet, Badelt realiza un trabajo lleno de ritmos modernos y sonidos electrónicos, supongo que para estar acorde con la temática de la película, pero al final la ausencia de contenido de ésta parece imponerse sobre todo lo demás. Además de esto, y este es el punto que me interesa, la música de los títulos iniciales es una variación del comienzo de la banda sonora de Spider-Man 2, de Danny Elfman. Ambas comienzan con unos segundos de cuerdas agudas, tras lo cual entra una percusión suave con sintetizador y se suman más cuerdas graves, añadiendo instrumentos en un crescendo hasta que finalmente entra la fanfarria con la presentación del tema principal. Hacia la tercera parte del comienzo hay una variación rápida de violines muy característica de Danny Elfman que también tiene una réplica en la banda sonora de Klaus Badelt. En definitiva, se podría decir que los títulos de Ultraviolet se parecen tanto a los de Spider-Man 2 como el tema principal de Piratas del Caribe se parece a la batalla de Gladiator.

Spider-Man 2 (2004)		Ultraviolet (2006)
Spiderman		Ultraviolet

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No me había leído el libro, y la película me sorprendió. ¡No tenía la menor idea de que alguien estuviera preparando un “remake” de Star Wars! Me causó tal impresión que tengo que contaros la trama porque me pareció súper-original.

La peli comienza en una galaxia muy, muy lejana (la tierra de Alagaësia) con una persecución; las tropas del Imperio, lideradas por el malvado Lord Vader el Sith (Durza el Sombra) persiguen a la princesa Leia (Arya la elfa) que es una líder rebelde en posesión de unos planos secretos (huevo de dragón). Estos planos son la última esperanza rebelde de derrotar al malvado emperador Palpatine (Galbatorix). Leia (Arya) consigue ocultar y enviar los planos (huevo) a otro lugar, pero es capturada por Vader (Durza) y llevada a la Estrella de la Muerte (fortaleza de Durza) para ser interrogada.

Mientras tanto, los planos escondidos en un robot (el dragón incubándose en un huevo) llegan fortuitamente a manos de un joven granjero llamado Luke (Eragon), que se queda con el robot (huevo). Luke (Eragon) vive con sus tíos (tío) en una granja aislada en el planeta Tatooine (la aldea Carvahall). El robot proyecta un holograma (el huevo eclosiona), lo que lleva al protagonista a contactar con un misterioso personaje solitario llamado Obi-Wan Kenobi (Brom); mientras, las tropas imperiales atacan su granja. Luke (Eragon) corre de vuelta a su granja con Obi-Wan (Brom) sólo para llegar a tiempo de ver cómo han matado a sus tíos (tío).

(Sólo un inciso para destacar el hecho de que, al igual que Luke Skywalker, Eragon comienza la historia siendo convenientemente huérfano).

Luke decide abandonar Tatooine (Carvahall) y junto a Obi-Wan (Brom) parte en busca de Alderaan (los rebeldes). De camino descubre que Obi-Wan (Brom) es en realidad un Jedi (Jinete de Dragón), y éste le da un sable láser (espada) y le enseña a usarlo y a controlar la Fuerza (Magia). Tras ser ayudado por uno que va por libre llamado Han Solo (Murtagh) y unas cuantas persecuciones, acaban todos en la Estrella de la Muerte (fortaleza de Durza) en misión de rescate de Leia (Arya). Al liberarla son descubiertos, y cuando parece que Darth Vader (Durza) va a capturarlos, Obi-Wan (Brom) interviene y les salva, pero da su vida a cambio.

Finalmente, ya con Leia (Arya) llegan hasta la base rebelde en Yavin IV (fortaleza de los Vardenos), pero son seguidos por las tropas Imperiales (ejército de Urgals y Durza), con lo que comienza un ataque a la base rebelde. Finalmente, gracias a la Fuerza (el toque mágico) de Luke (Eragon) y a su veloz X-Wing (dragón), el ataque es repelido y Vader (Durza) puesto fuera de combate. Los rebeldes respiran a salvo, pero el emperador Palpatine (Galbatorix) promete venganza y hacerles mucha pupita.

Me gustaron mucho los homenajes, como que la espada de Luke-Eragon reluce como un sable láser, o el momento en que Vader-Durza mata a un lugarteniente porque su grupo perdió la pista de los rebeldes e inmediatamente nombra lugarteniente al infeliz de al lado (referencia directa a El Imperio Contraataca); y sobre todo los cuidados diálogos, como la épica y muy original frase “mejor pedir perdón que permiso” que no había oído nunca y que a buen seguro muchos padres encontrarán didáctica para sus hijos.

Estoy deseando ver las próximas películas, en las que espero que aparezca un mentor tipo Yoda para adiestrar a Eragon, y razas de seres pequeñitos que le ayuden, y quizá hasta su padre sea alguien muy importante del lado oscuro que será revelado en la segunda parte y morirá en la tercera. Y que los rebeldes lo pasen muy mal en la segunda pero al final de la tercera el malo muera (si fuera el mismo que el padre sería insuperable).

Así que, respondiendo al título de este post, puedo asegurar que el apellido de Eragon es Caminacielos.

Por mi parte, y ahora en serio, espero que el 2007 sea el año de Stardust, película basada en un relato fantástico del escritor Neil Gaiman, que si de algo peca es de originalidad.

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Sí, evidentemente lo que los títulos en inglés dicen no es “Rebel espió”, sino “Durante la batalla, los espías rebeldes consiguieron robar los planes secretos…”, pero Rebel pasó a formar parte de los personajes que solamente existieron en esa edición de la cinta en castellano.

Ese error fue corregido en sucesivas ediciones, pero no otros gazapos de doblaje, que se mantuvieron incluso después de la edición “remasterizada”. Por ejemplo, la escena en el Halcón Milenario en que Luke Skywalker se enfrenta a la sonda de entrenamiento (la esferita flotante) con los ojos tapados. Después de repeler dos disparos con la espada – ¿sable? – láser, Luke se quita el casco y dice a Obi Wan: “- ¡Casi podía ver a los Lejanos!“. Y nadie vuelve a mencionar a esos misteriosos Lejanos en toda la saga.

En la versión original, a la sonda de entrenamiento se le denomina “training remote”, y la frase que decía Luke era: “- I could almost see the remote!” (casi podía ver la sonda). Mucha gente siguió esperando la aparición de esos Lejanos en las siguientes entregas.

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